Sinestesia y vonlenska: el lenguaje de Sigur Rós

El 20 de noviembre de 2008 tuve la oportunidad de asistir al concierto que Sigur Rós ofreció en el local londinense Alexandra Palace, durante la gira de su álbum Með suð í eyrum við spilum endalaust. Era la primera vez que presenciaba un concierto con un lenguaje claramente sinestético y fue tal el impacto que he continuado investigando sobre este tipo de eventos hasta día de hoy.

La banda post-rock Sigur Rós fue fundada en 1994 en Reikiavik  por Jón Þór Birgisson, apodado Jonsi (líder, cantante y guitarrista), en compañía del actual bajo de la banda y su anterior batería. Posteriormente, se le unieron dos componentes más para formar el grupo como lo conocemos actualmente, articulado por cantante/guitarrista, teclista, batería y bajo. Sigur Rós ha sabido afianzarse en la industria musical con rasgos innovadores de negocio, publicando cuatro trabajos y un recopilatorio titulado Von brigði hasta la fecha. Su música se caracteriza por un fuerte componente clásico y experimental, evocando el paisaje islandés con su etéreo sonido que habla de calma y soledad. Otro rasgo distintivo de la banda es la originalidad en el uso de instrumentos musicales de manera nada convencional. Jonsi habitualmente toca la guitarra eléctrica con un arco de cello como ya lo hacía Jimmy Page, guitarrista de Led Zeppelin; y canta en su famoso falsete, a veces contra la guitarra produciendo sonidos insólitos. Utilizan xilófonos y diversos instrumentos de percusión a menudo fabricados por ellos mismos, y las letras de sus canciones en muchos casos son cantadas en vonlenska, una lengua creada por Jonsi para hacer de su voz un instrumento más, sin importar que no siempre ni necesariamente transmita mensajes literarios.

Sigur Rós ha prestado gran atención al directo desde sus inicios, ofreciendo elaboradas actuaciones que transportan al público a un universo sinestético.  Esto quiere decir que apuestan por recibir el grueso de sus ingresos de los conciertos que ofrecen y para ello ponen a disposición de los fans escuchas y descargas gratuitas de sus discos a través de su web oficial. Y es que cuanto más público pueda acceder a su música, más gente tendrá conocimiento de la banda y más llenas estarán las salas donde actúen. Lo que es más, en su web incluso hay una sección “peer to peer” para que sus fans compartan su música y vídeos.

Centrándonos en lo que más nos concierne en este blog, el valor sinestético de sus conciertos, es destacable el extraordinario peso visual de sus actuaciones. Al comienzo de su carrera y debido al bajo presupuesto con que la banda contaba, Sigur Rós situaba un solo proyector en el escenario que mostraba imágenes fijas y en movimiento. Algo nada sofisticado comparado con lo que han acabado haciendo en la puesta en escena de sus últimos trabajos. Durante la gira del álbum Takk, publicado en 2005, la banda colocaba un telón semitransparente que les separaba del público y que les servía para jugar con las sombras de los músicos e imágenes proyectadas sobre él. Al finalizar esta gira ofrecieron una serie de conciertos gratis y sin publicitar en su país natal, en compañía del también grupo islandés Amiina. Recorrieron todo el país tocando en lugares deshabitados y a campo abierto para una sorprendentemente gran audiencia, tal como se puede observar en la película-documental Heima (2007) realizada por Dean Deblois.

En la gira de su álbum Með suð í eyrum við spilum endalaust en 2008, el presupuesto de la banda ofrecía ya muchas más posibilidades creativas y el directo de Sigur Rós se tornó más complejo. El escenario cambiaba cada vez que comenzaba un nuevo tema por medio de un elaborado set escenográfico, efectos de luz, proyecciones conceptuales, papeles de colores volando, viento y humo; todo perfectamente sincronizado con la música. El momento de más carga emocional tenía lugar durante la interpretación de la canción Sæglópur, cuando una pantalla de agua aparecía frente al público que veía a la banda a través de ella y sobre la cual se proyectaban imágenes y luces. Con respecto a las proyecciones de vídeo, introdujeron cámaras dentro de cada uno de los cuatro instrumentos mostrando sus procesos; también se proyectaban figuras saltando, patrones vegetales, brillos y otras formas.

La sensación del público que acude a un concierto de Sigur Rós es de pérdida de la realidad, no siendo consciente del resto de los espectadores, sino únicamente experimentando y percibiendo sinestéticamente. Hay incluso quien dice que es muy similar a la experiencia psicodélica, aunque ya trataremos ese tema en otra entrada.

La banda se encuentra en un break actualmente, lo que por suerte no significa que haya separación. Jonsi por su parte, acaba de terminar una gira individual que merece tal análisis en sí misma que no tiene cabida en este texto. ¡No perdáis la oportunidad de verles la próxima vez que pasen por España!

Synaesthesia and Vonlenska: Sigur Rós’ lenguage

On 20th November 2008, I had the opportunity to attend Sigur Rós’ concert at Londoner venue Alexandra Palace, during the tour of their work Með suð í eyrum við spilum endalaust. It was the first time ever that I was present at a clearly synaesthetic concert and it was such an impact that I have kept researching about this kind of events since then.

Post-rock band Sigur Rós was formed in 1994 by Jón Þór Birgisson (Jónsi) ─frontman, lead singer and guitarrist─ in company with its current bass player and its former drummer. Subsequently, the band was joined by two further components to finally result in the group as it is now: singer/guitarist, keyboardist, drummer and bass player. Sigur Rós has known how to become consolidated in the music industry by using innovative business models and has released four albums to date as well as a remix album called Von brigði in 1998. Their music is characterised by having strong classical and experimental backgrounds and by recalling the Icelandic landscapes with its ethereal sound which tells us about calm and loneliness. They are also known for playing instruments in groundbreaking ways. Jonsi usually plays electric guitar with a cello bow, as Jimmy Page ─Led Zeppelin’s guitarist─ did, he also makes use of his unique falsetto voice and sometimes he even sings very near the guitar producing extraordinary sounds. The band plays xylophones and many different percussion instruments, at times some of them built by themselves. Regarding the lyrics, a quantity of their songs are composed in Vonlenska, a language created to make of Jonsi’s voice one instrument more, not being important the songs have no literary message.

Live performance is a very relevant matter in Sigur Rós´ career, and the band has always offered elaborated performances to take the crowd to synaesthetic universes. This means they expect to obtain the main part of the income from concerts not caring about music sharing. The band allows free streaming of their albums and tracks in their official website in order to attract more attendees to their concerts. They even have a “peer to peer” section in their website so as their fans can share their music and videos.

When it comes to the synaesthetic value of Sigur Rós’ concerts, it is remarkable the strong visual component in their lives. At the beginning of the band’s career, due to the low budget they had, Sigur Rós just used one projector to display photographs and videos. That was something quite simple if compared to what they do currently onstage. During Takk album’s tour, released in 2005, the band placed a translucent curtain in front of the crowd and played with shadows, colour lights and video projections over its surface. When this tour was finished, the band offered several free concerts with no promotion at all in their home country, in company with the Icelandic band Amiina. They travelled around Iceland playing in isolated places and sometimes outdoors, as it is documented in Heima film ─2007─ directed by Dean Dablois.

In Sigur Rós’ tour of the álbum Með suð í eyrum við spilum endalaust in 2008, the band´s budget allowed more creative possibilities and their live shows became more complex. The stage was changing every time a song started by means of an elaborated set design, light shows, conceptual video-projections, flying colour papers, wind and smoke effects; all perfectly synchronized with the music. The most emotional part was the performance of the song Sæglópur, when a water screen appeared between the band and the crowd who watched the band through it in combination with colour lights and projections. With regards to video projections, they showed many elements such as the vision of the instruments’ insides, jumping figures, changing colour balloons, plants, sparks, shapes among others.

The feeling of Sigur Rós’ concerts’ attendees is a loss of reality, not being aware of the rest of the people around. They only experience and perceive synaesthetically and some people even say the event is very similar to the psychedelic experience, although this subject will be analyzed in a different post.

The band is on a break now, which does not mean they split up. Jonsi had just finished an independent tour, but that is such an extensive subject that I will write about it in the future.  Do not miss the opportunity to see them next time they tour!


ReacTable y otros inventos – Música para los ojos, imágenes para los oídos

Son muchos los matemáticos, inventores y músicos que a lo largo de la historia han tratado de construir un instrumento capaz de representar visualmente los sonidos que emite. Tal es el caso del artista británico Alexander Wallace Rimington que en 1893 patentó el órgano de color, un artefacto compuesto por un órgano convencional, lámparas y filtros de colores que, a pesar de no emitir sonido alguno (tan solo luces cromáticas), sirvió como modelo para posteriores intentos. El músico ruso Alexander Scriabin, quien supuestamente poseía la habilidad sinestésica, compuso a principios del siglo XX Prometeo: el Poema del Fuego para ser exclusivamente interpretado en la cromola, un artefacto muy similar al de Rimington con mejoras para emitir sonidos y luces de colores al mismo tiempo. Una larga lista de investigadores en este campo como Mary Hallock-Greenwalt y Ludwig Hirschfeld-Mack continuaron con la búsqueda de un instrumento que produjera efectos sinestéticos en el público, hasta que a finales de los sesenta una ola de música generada por software a tiempo real hizo su aparición, la figura del DJ acababa de nacer.

Alexander Rimington junto a su órgano de color en 1893. Fuente: http://www.thescarafaggioproject.com/2010/tag1/sinestesia-tomo-2/

Actualmente es habitual ir a un concierto donde el intérprete solamente utiliza un ordenador como instrumento, en el que sonidos acústicos y electrónicos son mezclados por programas informáticos. Es sin duda un medio muy económico y que permite total autonomía al músico, aunque también plantea un problema estético y es que el público que acude a ver el concierto no puede tener certeza alguna de que el DJ esté realmente mezclando música o simplemente esté mirando el correo electrónico, mientras hace sonar piezas previamente mezcladas. Esta cuestión es la que ha llevado a la invención de numerosos controladores gestuales que permiten tocar a los músicos de revolucionarias maneras; siendo tan importante el número de creadores de estos artefactos que en 2001 se instituyó NIME (New Interfaces for Musical Expression), una conferencia de carácter anual que ha continuado hasta nuestros días. Cada año, NIME congrega alrededor de doscientos asistentes entre investigadores, diseñadores de instrumentos y músicos de todo el mundo para promover y poner en común nuevas aportaciones en este campo.

Una de las mejores innovaciones hasta día de hoy ha sido sin duda el ReacTable, el cual supone probablemente la más destacada combinación de estética, calidad de sonido, “colaboratividad” y manejabilidad creada en este sector. Este novedoso instrumento fue construido en 2003 por el Grupo de Tecnología Musical de la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona liderado por Sergi Jordà y está compuesto por una mesa con una videocámara que analiza la superficie, mientras que un proyector dibuja una interfaz interactiva sobre ella. La originalidad del ReacTable radica en la ausencia de sensores, cables y gráficos para captar los movimientos de las manos del intérprete, así como los objetos dispuestos sobre el instrumento. Cualquier cosa puede ser colocada sobre el ReacTable y su cámara detectará la naturaleza, posición y la distancia entre los objetos creando sonidos. Por otro lado, el proyector dibuja auras alrededor de los objetos  y dinámicas que reflejan todas las acciones del sistema, produciendo un innovador impacto visual para los asistentes. Artistas de la talla de Björk han hecho uso de él en sus actuaciones, siendo cada vez más conocido entre el público. Su precio es de 9700 €, aunque también está la opción del ReacTable Mobile, una aplicación para iphone y ipad que se puede adquirir por un precio más razonable para el usuario de a pie, 9,99$.

Reactable Experience from Reactable on Vimeo.

Otras iniciativas similares y gratuitas para los apasionados de sinestesia son las creaciones del ingeniero André Michelle que se pueden encontrar en su laboratorio online.

Pulsa en la foto para poder interactuar con ToneMatrix. Pulsa en los cuadrados y crea melodías y ritmos. Pulsa espacio para volver a comenzar.

El Pulsate funciona de manera similar al anterior. Accede al laboratorio de André Michelle desde la foto y pulsa sobre el recuadro negro cuantas veces quieras. Si te gusta, puedes descargarlo para tenerlo en tu iphone por 0,99$.

Aparte de sus invenciones sinestéticas, aunque no menos interesantes para los aficionados a la música, André Michelle ha puesto a nuestro alcance una versión online de la Roland TR-909 Rhythm Composer.

Finalmente, aquí tenéis otra versión menos visual y más funcional del ToneMatrix llamada Nudge Tone Matrix. Que lo disfrutéis!

ReacTable and other inventions – Music for the eyes, images for the ears

Many mathematicians, inventors and musicians tried to build an instrument with the ability to visually represent the sounds they emit, throughout history. Such is the case of British artist Alexander Wallace Rimington who patented the colour-organ in 1893, an artefact composed by a conventional organ, lamps and colour filters. Although this apparatus did not emit any sound at all but only chromatic lights, it was a model for subsequent attempts. Russian musician Alexander Scriabin, who was a synaesthete himself supposedly, composed Prometheus, the Poem of Fire at the beginning of the 20th Century so as to be exclusively played in the chromola.  This instrument was very similar to Rimington’s but it offered improvements considering not only did it emit sounds, but it also projected colour lights on the audience synchronically. There is a long list of researchers like Mary Hallock-Greenwalt and Ludwig Hirschfeld-Mack who continued looking for an instrument that produced synaesthetic effects until a wave of computer-based real-time music systems took place at the end of the 60s. The Dj figure was just born.

Alexander Wallace Rimington and his colour-organ. Source: http://www.thescarafaggioproject.com/2010/tag1/sinestesia-tomo-2/

Currently, it is usual to attend a concert where performers only have computers as instruments and acoustic and electronic sounds are mixed by software. It is undoubtedly a highly economic mean as well as it allows a complete autonomy to the musician. However, it raises an aesthetic problem because concert-goers cannot be sure whether the Dj is actually mixing music or simply having a look at the mail while playing previously mixed pieces. This matter led inventors to create numerous gestural controllers so as to allow musicians to play in innovative ways. Furthermore, the number of these instrument creators was so significant that NIME –New Interfaces for Musical Expression– was born in 2001, which is an annual conference that continues taking place today. Every year, NIME congregates around two hundred attendees among researchers, instrument designers and musicians from all over the world to promote these devices and bring new achievements together.

One of the greatest inventions so far is the ReacTable, which is probably the best combination of aesthetics, sound’s quality, collaborativity and manageability created within this sector. This innovative instrument, built by the Group of Music Technology of Pompeu Fabra University of Barcelona, is based on a table with a video camera that analyzes its surface at the same time a projector draws an interactive interface on it. The originality of the ReacTable is that it lacks censors, cables and graphics but it manages to detect the player’s movements and the objects placed on it.   Anything can be placed on the ReacTable and its camera detects the nature, position and the distance between the objects creating sounds. The projector draws auras around the objects and dynamics that reflect all the system’s actions, and it produces an innovative visual impact on the audience. Artists as renowned as Björk included it in their performances and promoted this instrument among the crowd. ReacTable’s price is 9700 €, although there is another cheaper option such as ReacTable Mobile which is an iphone’s and ipad’s application that users can obtain for 9,99$.

Other similar free initiatives for people keen on synaesthesia are the inventions of the engineer André Michelle which can be found at his online lab.

Click on the image to interact with Tone Matrix and then click on the squares and create melodies and rhythms. Click space to start again.

The Pulsate works in a very similar way to ToneMatrix. Access André Michelle’s lab by clicking on the picture and then click on the black square as many times as you like. If you like it, you can download it for your iphone for 0.99$.

Apart from his synaesthetic inventions, although not less interesting for music lovers, André Michelle also gives us chance to interact with online version of the Roland TR-909 Rhythm Composer.

To conclude, here you have another not-so-visual and more functional version of the ToneMatrix, called Nudge Tone Matrix. Enjoy it!


Standstill y Rooom

Durante los días 7, 8 y 9 de marzo, el Círculo de Bellas Artes de Madrid acogió Rooom, un espectáculo audiovisual conceptual realizado y puesto en escena por la banda catalana Standstill.  El público que llenó el teatro del Círculo durante tres días consecutivos tuvo la oportunidad de disfrutar de un concierto sobrecogedor para los sentidos, un acto sinestético en su más pura esencia en el que Standstill jugó con la combinación de las percepciones auditiva y visual de los asistentes. Según el reportaje que el mismo Círculo de Bellas Artes realizó acerca de Rooom, el espectáculo supuso un ejercicio de abstracción para el público y es que estando sentado en el anfiteatro se percibía una sensación de conexión absoluta con la banda y de inmersión en un entorno íntimo de comunicación primitiva y visceral.

El álbum Adelante Bonaparte, lanzado en 2010, pretende ser un trabajo autobiográfico compuesto por tres EP’s y un total de veinte piezas entre canciones, interludios y partes instrumentales, que en Rooom son tocadas en riguroso orden para contar una historia, la historia de B (Bonaparte). Según Enric Montefusco, líder de la banda, han creado dos versiones de ejecución en directo para Adelante Bonaparte: un concierto en formato convencional para el público que desee cantar y bailar al son de las canciones; y Rooom, para quien quiera comprender mejor el mensaje del álbum y disfrutar de un nuevo concepto de la música en directo.

Es la evolución de la tecnología multimedia lo que ha permitido a Standstill ofrecer tal despliegue de emociones sobre un escenario articulado por tres pantallas de gran formato situadas en tríptico, rodeando a la banda que toca en penumbra. Sobre ellas se proyectan cortos que, en combinación con los juegos de luces y la narrativa musical, nos cuentan las andaduras de B. No es casualidad que, del mismo modo que en el disco, la acción se presenta en tres partes: infancia, crisis y recuperación tras la muerte de su padre.  “Habla de la vida, del amor, de la muerte. Creo que eso es lo que hace que funcione. Que hay un esfuerzo para mostrar las dudas y debilidades y eso hace que la gente se identifique. Es sincero, como lo ha sido siempre lo que hacemos desde el principio” según contó Enric Montefusco al diario El País.

Entre los recursos narrativos de Adelante Bonaparte, llama la atención la introducción de ingredientes no musicales en la postproducción del disco, tales como la conversación de un padre con su hijo, un coro de niñas y risas infantiles, en la primera parte del espectáculo. En Rooom, esos elementos cobran sentido completo, puesto que podemos ver proyectadas las imágenes correspondientes a esos sonidos perfectamente integradas con la música en directo. Por otro lado, en la segunda parte del espectáculo, la acción se desarrolla en la habitación de una casa proyectada en las pantallas. La sensación del público es la de estar con la banda y con B en un ambiente íntimo y de recogimiento. La parte final de Rooom tiene lugar al exterior, cuando B por fin consigue concluir su duelo y salir al mundo de nuevo. Es entonces cuando la melancolía de la segunda parte desaparece para dar lugar al optimismo y las ganas de seguir adelante.

No es la primera vez que Standstill produce un espectáculo diferente a lo que los aficionados a la música en vivo están acostumbrados a encontrarse en una actuación musical. En 2008, ofrecieron 1, 2, 3… para poner en escena su disco Vivalaguerra, en el que la banda se situó alrededor del público para lograr la integración máxima de los asistentes en el evento. Es más que evidente que Standstill es, además de uno de los grupos musicales de más trascendencia en el panorama español, un grupo de artistas innovadores. Prueba de ello son proyectos como su participación en la exposición Genius Loci, que actualmente puede ser visitada en la Fundación Miró de Barcelona y que estará vigente hasta el 5 de junio de 2011; o sus proyectos de creación colectiva como Yo solo necesito cariño, respeto y atención.

Para los que aún deseen asistir a Rooom y experimentar unos de los eventos más íntimos de la música española en directo, aún pueden hacerlo. Standstill ofrecerá su espectáculo en L’Hospitalet del Llobregat y en Girona los 20 y 21 de mayo. ¡No os lo perdáis!

Standstill ‘Rooom’… en el Telediario de TVE1 from yolafilmo on Vimeo.

Standstill and Rooom

On 7th, 8th and 9th March, Círculo de Bellas Artes of Madrid hosted Rooom, an audiovisual conceptual show produced by catalan band Standstill. The crowd who assisted the event during three consecutive days had the opportunity to attend an awesome concert for the enjoyment of their senses, a pure synaesthetic show in which Standstill played with the combination of the hearing and the sight senses. According to a report by Círculo de Bellas Artes about Rooom, it intended to be an exercise of self-abstraction for the audience and after all, being in the dress circle one had a total feeling of connection with the band in an intimate environment of primitive and visceral communication.

Their album Adelante Bonaparte, released in 2010, attempts to be an autobiographic work composed by three EP’s and the total of twenty pieces with songs, interludes and instrumental parts, which are played in strict order so as to tell a story, B’s story –Bonaparte–. As Enric Montefusco –band’s leader– stated, Standstill designed two versions for the record’s live: a conventional format concert for the people who want to sing and dance to the live music; and Rooom, for those who expect to understand better the meaning of the album as well as to enjoy a new concept of live music.

It is the evolution of multimedia technology what leads Standstill to offer such display of emotions onstage, being articulated by three big screens located as a triptych surrounding the band that plays in the half-light. The projectors throw short films which, in combination with lights and music narrative, tell us about B’s life. It is not a coincidence that, similar to the record, the action is divided in three parts: infancy, crisis and recovery after B’s father’s death. “It is about life, love and death. I believe that is what makes it work. It is an effort to show doubts and weaknesses to make people symphazise. It is sincere as everything we have done from the very beginning” as Enric Montefusco told El País newspaper.

Among all Adelante Bonaparte’s narrative elements, it is remarkable the use of non musical ingredients in the album’s postproduction, such as a father’s conversation with his child, a children’s choir and giggles during the first part of the show. In Rooom, those elements make total sense considering the audience can see the corresponding images to those sounds being projected and perfectly integrated with the live music. Moreover, during the second part of the concert, the action takes place in a room that helps the audience feel like being in an intimate environment of meditation accompanied by the band. The final part of Rooom takes the crowd outdoors, when B finally manages to end his mourning and goes out into the world to keep living his life.

It is not the first time that Standstill produces a different show than what keen concert-goers are used to find in live music events. In 2008, they offered 1, 2, 3… in order to stage their record Vivalaguerra, in which the band was surrounding the crowd so as to integrate the attendees into the concert. It is evident that Standstill is not only one of the most transcendental Spanish bands, but they are also a group of artists and innovators. Proof of which are projects such as their participation in Genius Loci exhibition that can be currently visited at the Miró’s Foundation of Barcelona and that will be opened until 5th of June of 2011; as well as their projects of collective creation such as Yo solo necesito cariño, respeto y atenciónI only need affection, respect and attention–.

To those who want to attend Rooom and experience one of the most intimate events of the Spanish live music, you still can do it. Standstill will offer their show at L’Hospitalet del Llobregat and Girona on 20th y 21st May. Do not miss it!


Bienvenido a this is synaesthesia

La sinestesia es un fenómeno que ha sido estudiado desde diversas perspectivas a lo largo de la historia. Desde un punto de vista neurológico, sinestesia es una condición presente en ciertos individuos mediante la cual la estimulación de uno de sus sentidos produce una inusual respuesta, a menudo en otra modalidad sensorial. En muchos casos, el fenómeno sinestético está relacionado con la creatividad artística así como con la experiencia psicodélica, la cual inspiró a profesionales de la música a producir conciertos sinestéticos en la década de los 60.

En el siglo XIX, las teorías de Wagner acerca de la gesamtkunstwerk (obra de arte total) y de la convergencia de las artes promovió la aparición de numerosas obras artísticas basadas en la sinestesia como metáfora. Numerosos creadores posteriores centraron su atención en la producción de obras de arte multisensoriales para el disfrute de una audiencia ávida de nuevas experiencias. En un principio, prácticamente todos estos artistas buscaban la manera de representar la música mediante otros medios creativos; pero con el tiempo fueron apareciendo nuevas disciplinas artísticas como la música visual, lumia y sound art.

En el universo musical, la sinestesia comenzó a ser un elemento activo de la música en directo durante la Era Psicodélica y posteriormente numerosos artistas han explorado sus posibilidades creativas hasta día de hoy. Las características perceptivas de los conciertos sinestéticos llevan a la audiencia a experimentar el espectáculo con todo su cuerpo, lo cual transforma estos eventos en una forma de comunicación primitiva de lo inefable entre los intérpretes y la audiencia. Actualmente, la sinestesia en la música en vivo es un área multidisciplinar que necesita de la colaboración de numerosos artistas que unen sus esfuerzos para incorporar nuevos elementos a los conciertos.

This is synaesthesia se centrará en la presencia de la sinestesia como metáfora en la música en directo.

Synesthesia from Terri Timely on Vimeo.

Welcome to this is synaesthesia

Synaesthesia is a phenomenon that has been approached from different perspectives throughout history. From a neurological point of view, it is a condition in which an external sensory stimulus produces an unusual response by often involving another sense. This phenomenon is frequently related to art creativity as well as to the psychedelic experience, which in the 1960s inspired bands to produce synaesthetic live music performances.

Wagner’s theories on the “gesamtkunstwerk” –total work of art- and the convergence of all arts brought about many works based on synaesthesia as metaphor in the 19th Century. In this context, numerous artists focused on creating multisensory artworks for an audience eager for new experiences. At the beginning, most of these artists searched for the key to be able to represent music through other disciplines. However, new art genres came up consequently with the passing of time such as visual music, lumia and sound art.

Within the music framework, synaesthesia started being an element of live music performance during the Psychedelic Era and later on, many artists have explored its creative possibilities. The perceptual characteristics of synaesthesia’s live music performances lead attendees to experience whit their whole body which turns these events in a primitive way of communication of the ineffable, between performers and the audience. Today, synaesthesia in live music performance is a multidisciplinary area that involves the collaboration of numerous creative individuals who unite their efforts to incorporate new elements on stage.

This is synaesthesia will focus on synaesthesia’s presence in live music performances as metaphor.




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